Boku-Makuhari-Aktivitäten: Theaterkritiken, Eindrücke
„Ich kann es nicht in Worte fassen.“
Wenn Menschen etwas sehen, insbesondere ein Theaterstück, bemühen sie sich, die Handlung und die Situation – kurzum, die Geschichte – zu verstehen. Wenn die Zuschauer feststellen, dass der/die Darsteller/in nicht auf ihre Bemühungen eingeht, neigen sie stark dazu, das Sehen, Hören und Fühlen ganz aufzugeben. Dieser Prozess ist eine moderne Theorie des Publikumsverhaltens, die aber auch heute noch Gültigkeit besitzt. Tatsächlich glaube ich, dass er nicht nur Gültigkeit hat, sondern immer noch Macht besitzt und mitunter sogar schädlich ist. Und ich gestehe, dass auch ich diesem Zustand des Unverständnisses im Publikum ausgesetzt bin und mich ständig in diesem instabilen Zustand befinde. „Boku no Kotobuki ni Translatable“ ist ein Meisterwerk, das sich brillant darüber lustig macht. Zunächst einmal ist die Geschichte von Anfang bis Mitte des Films nicht nur unverständlich, sondern es herrscht auch eine physiologisch merkwürdige Situation, die sich fortsetzt. Wäre dies lediglich „etwas Seltsames“ oder „eine merkwürdige Situation“ gewesen, hätte ich aufgehört zu schauen, aber dem war nicht so. Die verzweifelte Aufgabe, die Bewegungen der Schauspieler auf der Bühne mit all meiner Intuition zu verfolgen, war an sich schon aufregend, und ich betrat die Bühne voller Staunen. In diesem Zustand der Aufregung wollen wir bestätigen, was sich langsam in mir festgesetzt hat. Zunächst einmal behaupten sich die Figuren fast ausschließlich selbst. Mich interessierten zunächst diese zweifelhaften Selbstbehauptungen. Wenn Zuhören eine Voraussetzung für Dialog ist, dann ist dieses Stück dialogfrei. Was wir hier finden, sind masochistische Monologe oder Gemurmel, gefangen in gesteigerter Paranoia und Selbstgerechtigkeit. Das Stück, das sich um den gequälten Alltag des jungen Mannes dreht, zeigt, wie die Welt mit uns interagiert und wie diese Welt verzerrt erscheint. Besonders bemerkenswert ist die Tatsache, dass die aufgeblasene Besessenheit des jungen Mannes die Welt nicht erhellt, sondern vielmehr in der Kleinheit und Beschränkung liegt, die sie ihm auferlegt; sie ist nichts weiter. Hier liegt ein neuer Reiz. Das Drama hat eine Struktur, in der Individuen nur als unabhängige Individuen innerhalb einer Gemeinschaft (Familie oder Land) existieren können. Er murmelt unaufhörlich vor sich hin, und tatsächlich handelt es sich dabei nicht um seinen eigenen Konflikt, der als Selbstbehauptung getarnt ist, sondern um einen gesellschaftlichen Konflikt. Es sind Angst, Hass und Skepsis, gerade weil es auf der Prämisse basiert, dass das Individuum gar nicht existiert. Nur diese Skepsis hält das Selbst fest in seiner Position, und am Ende wird er vom Publikum als einsamer Mensch wahrgenommen. Auf den ersten Blick mögen diese Werte pathologisch erscheinen, doch erkennt man ihre Ähnlichkeit mit der Gesellschaft selbst, sind sie zutiefst traurig und ein gutes Beispiel für das heutige Japan. Die Art und Weise, wie er die Dialoge vorträgt, das aufgeblähte Gemurmel aufgreift und das Publikum zum Lachen bringt, kann nur als Iwasakis Genie bezeichnet werden. Wie er dieses Talent in Zukunft weiterentwickeln wird, bleibt abzuwarten, aber es besteht kein Grund zur Sorge; ich bin zuversichtlich, dass er sich in den nächsten vier Produktionen einen Namen machen wird. Miura Motoi (Regisseur)
Die Figuren werden auf äußerst fesselnde Weise dargestellt und leben scheinbar banale Alltagssituationen. Wie der Titel „Ich kann es nicht in Worte fassen“ bereits andeutet, entfaltet sich das Drama des Alltags auf geheimnisvolle Weise. Die pathologischen Aspekte des menschlichen Lebens werden beiläufig enthüllt. Der Titel ist treffend, und die Art und Weise, wie sich die Geschichte entfaltet und etwas offenbart, das „Ich kann es nicht in Worte fassen“, ist brillant. Dieses Werk, das Spannung aus einem neuen Blickwinkel für das Theater einsetzt, kann in gewisser Weise als eine äußerst einzigartige Herausforderung für das Genre beschrieben werden. Shimizu Kunio (Dramatiker)
„Im Jahr 2004 war ich normal.“
„Im Jahr 2004 war ich normal.“
Was mich an diesem Stück besonders beeindruckte, war die übertriebene Bühnengestaltung. Anstatt die Bühne zu schmücken, wirkte sie eher wie eine Kunstinstallation, die den Inhalt des Stücks einengte. Schauplatz war ein Zimmer, das von den Bewohnern eines Mietshauses bewohnt wurde. Die Toilette war vorne und hinten auf der Bühne sichtbar, ein riesiger Lüftungsschacht verlief durch die Decke, es gab einen höhlenartigen Abstellraum, der Flur war unnötig lang, und im Boden befand sich ein Loch voller Taschentücher. Die Bewohner waren ein Mann, der Spezialwasser verkaufte, und eine Frau, die anscheinend Büroangestellte war. Ein- und ausgingen der Freund des Mannes, seine koreanische Freundin und ein Mann, der aus irgendeinem Grund im Abstellraum lebte. Sie alle waren unauffällige Menschen, die am Rande der Gesellschaft kaum über die Runden kamen. Der Verkäufer hatte einen blauen Fleck an seinem Penis und berührte sich ständig im Schritt. Negative Ereignisse ereignen sich vereinzelt im Raum, doch die verzweifelte Selbstbehauptung der einzelnen Figuren, getrieben von ihren eigenen Konflikten, vor dem Hintergrund einer eindringlichen Szenografie, erweckt die Bühne kaum zum Leben und gewährleistet so ein einzigartiges Gefühl von Realismus. Diese Realität ist wohl die Essenz von „Ich bin normal“, geprägt vom Jahr 2004. Dem Druck eines arroganten, schwach begründeten „Normalzustands“ trotzend, wurde die Normalität meiner Existenz im Jahr 2004 als Installation verdeutlicht, was das Werk interessant macht und vor allem den Begriff „normal“ transformiert. Jedes „Ich“ im Jahr 2004 war „normal“. Emori Morio (Kritiker)
"Ein ärgerlicher Abend"
"Die Hexe der Spitze"
"Das beste Vorspiel"
Ich besuchte im Winter letzten Jahres eine Aufführung von „Ein nerviger Abend“. Vor dem Café, in dem das Stück spielte, stand ein Schreibtisch – offenbar die Rezeption –, an dem ein junger Mann mit Brille saß. Ich erkannte ihn sofort als Yuji Iwasaki, den Autor und Regisseur der Theatergruppe. Ich kannte ihn schon lange als charmanten Schauspieler in Seinendans Stücken, aber ich war überrascht von dem extrem aggressiven Text im Programmheft zur Aufführung, verfasst von dem gutmütigen Rezeptionisten. „Unterwürfigkeit ist verwerflich. Ängstlichkeit ist völlig inakzeptabel. Es ist gut, sich aufrichtig zu entschuldigen, aber ohne zu zögern vor jemandem zu schmollen, ist verwerflich.“ So entschieden formuliert, war es eine vernichtende Kritik an dem unpräzisen Menschentypus, der sich schwer tut, Fakten richtig zu analysieren. Als jemand wie ich wurde ich rot. Doch ich war erleichtert, als ich den letzten Satz las: „Ich bin zweifellos ein naiver und unterwürfiger Mensch.“ Es war ein Genosse! Und so begann das Stück. Es handelte von einem Ehepaar. Der Mann hatte ohne Erlaubnis den BH seiner Frau angezogen. Er, unfähig, die Liebe seiner Frau zu spüren, weinte um eine Liebe, die keinen Ausdruck fand. Die Frau blickte ihn verächtlich an. Es gibt Menschen, die sich nicht zurückhalten. Gefühle sollten nicht anderen aufgezwungen werden, sondern waren auf der Bühne deutlich präsent als der Schrei des tiefen Wunsches, authentisch zu leben. „Warum lebst du mit so einer Besserwisser-Attitüde? Dein Kopf ist nur noch verworrener und obszöner“, dachte ich, tief bewegt. Und dann begriff ich die Bedeutung von „Unterwürfigkeit“, die in der Broschüre an jenem Tag stand. Das unauslöschliche Gefühl des Unbehagens, das wir alle heute erleben, kann Menschen manchmal unterwürfig machen, aber vielleicht akzeptiert Iwasaki dies, auch wenn es ihm unangenehm ist. Vielleicht ist diese Akzeptanz der Kern seines Theaters. In der nächsten Aufführung, „Das größte Vorspiel“, kämpften die Menschen mit der Liebe, die sie nicht zügeln konnten. Das Café war erfüllt von der Gewissheit, dass nichts ein Irrtum war, und es platzte fast aus allen Nähten. Ich hatte die Gelegenheit, einer Probe für eine Lesung dieses Werkes beizuwohnen, das mit dem Kanagawa-Dramapreis ausgezeichnet wurde. Die Frau, die ihre Liebe verloren hat, sagt: „Ich habe nichts. Ich will nichts, ich habe keine Hoffnungen. (Ausgelassen) Ich habe nirgendwo eigene Gefühle …“ Als ich die Zeilen sprach, wusste ich, dass diese Worte mit Sicherheit eine Lüge waren. Eine Bestätigung dafür, dass irgendwo in mir ein Teil lügt. Iwasakis „Abwesenheit von Lügen“ hat mich immer wieder fasziniert. Kasagi Izumi (Dramatikerin, Regisseurin, Schauspielerin)
"Die Hexe der Spitze"
Das Theater bietet nur 25 Personen Platz, und die Möbel, die Toilette und die Küche des Cafés dienen als Bühnenrequisiten. Schauplatz ist ein Haus in einer Provinzstadt. Das einzige Wahrzeichen des Ortes ist ein Krematorium mit einem ungewöhnlich hohen Schornstein. Die Schwester des jungen Mannes, der sich um das Haus kümmert, kehrt nach sieben Jahren im Ausland zurück. Dort findet sie ihren Bruder vor, der mit einem jungen Yakuza-Gangster, einer Freundin, mit der er früher eine sexuelle Beziehung hatte, und einer Ausreißerin, einer sogenannten „Hexe“, zusammenlebt. Das Haus wird oft von einem Literaturlehrer besucht, der von ihr verzaubert ist. Die Freundin sagt: „Uns geht es gut! Wir sind nur etwas komplizierter als normal“, doch sie wirken auch wie gebrochene Menschen. Begriffe wie „schwul“ und „lesbisch“ sind tabu, die sexuellen Beziehungen zwischen Männern und Frauen wirken natürlich, und selbst in dem beengten Raum sind die Szenen nicht anstößig. Selbst aus nächster Nähe animiert eine Lehrerin, die fröhlich die Unterwäsche eines jungen Mädchens mitten auf der Bühne auf eine Wäscheleine hängt, das Publikum nicht zum Mitmachen. Die Theaterwelt wahrt selbst in unmittelbarer Nähe eine gewisse Distanz. Verschiedene Aspekte scheinbar unvereinbarer, verquerer menschlicher Beziehungen flackern auf, doch die Figuren sind klar umrissen, und ihre Gespräche lassen eine verborgene Infragestellung des Wesens ihrer Existenz erahnen. Dies, kombiniert mit dem Anschein von Alltag, erzeugt Spannung. Iwasaki gelingt es erstaunlich gut, die Intensität der Szenen zu variieren – von den Höhen und Tiefen kleiner Ereignisse über das Kommen und Gehen der Figuren bis hin zum Getümmel in den verborgenen Hinterzimmern. Es ist bemerkenswert, dass Iwasakis zutiefst persönliche Gedanken mit einer theatralischen Qualität koexistieren. Obwohl die Schauspieler größtenteils unbekannt sind, haben sie die Essenz ihrer Figuren aus dem Text erfasst und jede einzelne auf realistische Weise zum Leben erweckt. Die teuflische Art des Mädchens wirkt jedoch etwas stereotyp, und die Szene, in der sie am Ende den Schornstein hinaufklettert, fügt sich nicht ganz organisch in das Gesamtstück ein. Iwasakis Talent, die Kulisse eines Cafés geschickt in das Innere eines Einfamilienhauses zu verwandeln, prägt den Zuschauern die Realität des menschlichen Daseins ein, in der Menschen Erlösung und Verbundenheit in Sex und Körper suchen – als einzige Gewissheit ihrer Einsamkeit und Lebensangst. Das gibt uns große Hoffnung für die Zukunft. Emori Morio (Kritiker)
"Sleep Insider"
Folge 1: „Schlaf-Insider“
Folge 2: Der Hügel des Philosophen
Die Bühne. Der Boden ist mit einem achteckigen Stoff ausgelegt. Vorne ist ein Teil der Wand wie die Innenseite eines Fasses geformt. In der Mitte befindet sich eine Essensausgabetür, kein Speiseaufzug. Männer und Frauen warten wie Wachen im hinteren Teil des Achtecks. Die Geschichte sprengt die Grenzen des Achtecks, ohne jegliche Einschränkungen. Die Geschichte. In zwei Teile gegliedert, die wie ein Traum klar miteinander verbunden sind. Ein Mann ist gefangen, oder vielleicht fesselt er die Menschen um sich herum; er kann nirgendwohin. Er zählt die Tage seiner Flucht, indem er sie fühlt. Ein neues Mädchen kommt an. Die beiden geben sich als andere aus und beginnen schließlich, einander zu entlarven. Der zweite Teil. Eine Frau mit einem Hammer liegt neben dem gefallenen Mann. Ein Mann kommt an, der sich auf der Suche nach seinem Freund verirrt hat. Der Mann und die Frau, und der Mann, der vielleicht noch lebt oder auch nicht, beginnen, ihre Erinnerungen zu erzählen. „Ich kann mich selbst nicht riechen“, sagt die Frau. Es regnet, aber das Wetter ist schön. Drei Personen sind da, doch niemand ist wirklich da. Ein psychologisches Striptease-Stück, das einen nicht zur Ruhe kommen lässt. Menschen, gefangen in Selbsttäuschung und Selbsterhaltungstrieb, treffen aufeinander und bekämpfen sich gnadenlos. Kalt, aber mit Angst und – wie nennt man es Liebe? Das Publikum wird mit einer Situation konfrontiert, in der Wahnvorstellungen, Realität und Lügen verschwimmen und es keine Erzählung gibt. Werden sie am Ufer bleiben oder hinaus in die Tiefen des Meeres wagen und durch die aufgewühlten Wellen spähen? Sie müssen sich selbst hinterfragen und die Distanz zum gewöhnlichen Theater und ihrem Alltag überwinden. Diese Handlung fesselt mich. Nicht für Show oder Spielerei geschaffen, trifft Iwasaki Yujis Stück einen mitten ins Herz. Die Inszenierung konzentriert sich auf die schonungslosen Dialoge. Die versteckten Ideen, wie das Kriechen unter dem Fußboden oder in einem sechsstöckigen Zimmer und die unheilvollen Geräusche im Nebenzimmer, sind geheimnisvoll und faszinierend.
Workshop „Einführung in die Schauspielkunst“ im Bokmak-Stil
◆Auszüge aus der WS-Umfrage◆ ・Mein Selbstvertrauen (mein Selbstverständnis) ist enorm gestiegen! (Frau) ・Das Schauspielern fällt mir plötzlich viel leichter. (Mann) ・Ich habe Techniken gelernt und gleichzeitig das Gefühl gehabt, eine Beratung für meine schwierige Vergangenheit zu erhalten. (Mann) ・Ich hatte das Gefühl, die Werkzeuge bekommen zu haben, um etwas loszulassen, das sich in mir angestaut hatte. (Mann)